摘要：文艺复兴时期绝对是每个艺术爱好者都津津乐道的艺术史时期之一。它为我们带来了一些世界上最震撼人心、令人难忘的艺术作品，这些画作开启了一个充满创造力、现实主义和人类情感的新时代。
文艺复兴证明了人类可以同时拥抱理性与美。
——伏尔泰
文艺复兴时期绝对是每个艺术爱好者都津津乐道的艺术史时期之一。它为我们带来了一些世界上最震撼人心、令人难忘的艺术作品，这些画作开启了一个充满创造力、现实主义和人类情感的新时代。
以下就是我们按照时间顺序整理的其中最著名的20件作品，虽然不算多，但也算是管中窥豹吧
1. 意大利帕多瓦，斯克罗威尼礼拜堂
乔托：1305年左右
帕多瓦（Padua）的斯克罗威尼礼拜堂（Scrovegni Chapel）可能是西方艺术中最重要的一间屋子。这些壁画由乔托（Giotto）绘制，这组壁画标志着艺术史上的一个重大转折点。
他摒弃了平面、象征性的拜占庭艺术风格，走向了更具人性和情感深度的艺术表达。如果你想知道文艺复兴真正的起点，这就是。
礼拜堂内覆盖着39幅明亮的壁画，讲述着圣母玛利亚和基督的生平故事。
乔托笔下的人物会哭泣、拥抱，他们用真实的人类姿态和面部表情做出反应。仅《哀悼基督》这一场景就足以让你驻足不前，甚至可能会让你因它的悲怆而落泪。
在这一切之上，是一片布满星星的深蓝色天花板。在最远端，《最后的审判》赫然显现。它充满戏剧性、场面宏大且细节丰富。
乔托对光线、透视和建筑空间的运用在当时是极具革命性的。你能从这些墙壁上感受到未来艺术的走向：马萨乔（Masaccio）、米开朗基罗（Michelangelo）和拉斐尔（Raphael）都从他的艺术中汲取了养分。
2. 意大利佛罗伦萨，布兰卡奇礼拜堂
马萨乔：《纳税银》，1425年
佛罗伦萨的布兰卡奇礼拜堂（Brancacci Chapel）对于西方艺术史来说绝对是基石般的存在。遗憾的是，大多数人都懒得穿过阿诺河去参观它。
马萨乔的《纳税银》是这座礼拜堂的标志性作品，它讲述了《马太福音》中的一个圣经故事。而真正的精彩之处在于马萨乔的讲述方式。
在这幅壁画中，你可以看到三个场景：税吏向耶稣要钱，基督让彼得从鱼嘴里取出钱，以及彼得缴纳税款。马萨乔将这些场景无缝地交织在一起，就像一幅连环漫画，但远比漫画优雅得多。
这是艺术史上最早出色运用线性透视法的作品之一。消失点正好在基督的头上，所有的线条都汇聚于他。画中的人物看起来立体而真实，有阴影和体积感，这在当时是全新的表现手法。
马萨乔还把普通的佛罗伦萨人画进了场景中，整幅画给人一种真实、贴近人性且充满情感活力的感觉。
3.伦敦国家美术馆
扬·凡·艾克：《阿尔诺芬尼夫妇像》，1434年
当然，文艺复兴并不只是佛罗伦萨的专属，它也在北欧蓬勃发展，而最具标志性的作品之一是扬·凡·艾克（Jan van Eyck）的《阿尔诺芬尼夫妇像》，它常被认为是最早用油画而非常见的蛋彩画创作的杰作之一。
这幅全身双人肖像画以其栩栩如生的细节而著称，它描绘了一对富有的商人夫妇在布鲁日的家中，不过这对夫妇的确切身份仍存在争议：
一些人认为它描绘的是一场婚礼仪式，另一些人则认为这幅画是为了炫耀地位和财富。
可以确定的是这幅画的创新性，它标志着西方艺术中家庭室内场景绘画的开始。在房间的后方，一面凸面镜成为了焦点。它反射出这对夫妇（以及两个未露面的人物），增添了一层深度和透视感，这在当时是具有开创性的。
4. 佛罗伦萨，圣马可修道院
弗拉·安杰利科：《天使报喜》，1440-1445年
弗拉·安杰利科（Fra Angelico）的《天使报喜》（The Annunciation）是文艺复兴时期最具标志性的画作之一，这幅著名的艺术作品就静静地被安置在佛罗伦萨一个宁静、几乎是隐蔽的地方。
这幅画出乎意料地巨大，描绘了天使加百列平静地向玛利亚传达神谕的场景，整个场景发生在一个封闭的庭院中，它的建筑风格与修道院本身相呼应。
玛利亚身着柔和的色彩，静静地坐着，带着一种宁静的优雅。天使的翅膀是画中唯一真正华丽的元素，装饰着类似孔雀羽毛的图案。
这幅壁画没有戏剧性的象征或情感暗示，相反，它有一种静谧的力量，邀请你放慢脚步，驻足凝视。
5.乌尔比诺，公爵宫
皮耶罗·德拉·弗朗切斯卡，《基督受鞭笞》，1455-1465年
皮耶罗·德拉·弗朗切斯卡（Piero della Francesca）的《基督受鞭笞》（Flagellation of Christ）是一幅小画作，却有着很高的声誉，并且充满了神秘色彩。。
尽管这幅画的标题是《基督受鞭笞》，但焦点并不完全在基督身上。画面的构图是分割的：左边是基督正在被鞭打的场景，而右边则有三个人平静地站着，似乎没有注意到正在发生的暴力行为。这种不协调显然是有意为之。
也因此，艺术史学家们长期以来一直在争论它的含义，一些人说它是关于君士坦丁堡沦陷的政治寓言，另一些人则认为它是对乌尔比诺一位被谋杀的统治者的无声纪念。
这幅画如此引人入胜的原因在于它的静谧感，一切都显得精确，几乎像是时间被凝固了。建筑结构完美平衡，人物位置精心安排，而在平静的表面下却隐藏着一种紧张感。
6. 纽约市，弗里克收藏馆
乔瓦尼·贝利尼，《圣弗朗西斯在沙漠中》，1480年
乔瓦尼·贝利尼（Giovanni Bellini）的《圣弗朗西斯在沙漠中》（St. Francis in the Desert）描绘了阿西西的圣弗朗西斯（又译圣方济各）独自置身于一个岩石嶙峋、阳光照耀的风景之中，这是一个充满静谧和精神力量的场景。
它可能描绘了据说他接受圣痕的那一刻：他的双臂伸展着，表情中带着一种宁静而强烈的情感，仿佛正处于一个深刻转变的瞬间。
贝利尼在处理光线、质感和自然细节方面的精湛技艺显而易见，精心的构图和情感共鸣体现了他风格的精髓。
仔细观察，你会发现弗朗西斯周围有许多生命的迹象：一只兔子、一头驴子、一只苍鹭。它们都是对他与自然紧密联系的微妙暗示。
7. 米兰，布雷拉美术馆
安德烈亚·曼特尼亚，《哀悼基督》，1480年
曼特尼亚（Mantegna）的《哀悼基督》描绘了基督的遗体被放置在一块石板上的场景，这幅画是极端透视缩短法的典范之作，这种技法使画中人物看起来真实地向空间深处后退。
尽管画作尺寸不大，但却极具冲击力，画面场景真实而毫不掩饰，耶稣的伤口被描绘得十分精确细致。柔和的色调赋予了它一种萦绕心头的静谧感，仿佛时间已经静止。
这幅作品是在曼特尼亚去世后在他的工作室里被发现的，一些艺术史学家认为他是为自己的坟墓创作了这幅画。
8. 佛罗伦萨，乌菲齐美术馆
桑德罗·波提切利，《春》，1482年
波提切利（Botticelli）的《春》（Primavera），也被称为《春天的寓言》（The Allegory of Spring），是文艺复兴时期最著名的艺术作品之一。画面设定在一片橘树林中，这个场景巧妙地暗指了美第奇家族，波提切利的主要赞助人，他们将橘子树作为家族的象征。
画面中央是维纳斯，周围环绕着神话人物：她的左边，美惠三女神身着薄纱翩翩起舞，玛尔斯在她们旁边驱散乌云；右边，西风之神泽费罗斯追逐着一位仙女，这位仙女随后变成了春天女神弗洛拉。整幅画细节丰富，从点缀着珍珠的头发到轻盈飘逸的人物形象。
尽管波提切利对人体解剖学有着完美的理解，但他以优雅、修长的人物形象和装饰性的才华而著称，更注重优雅而非其他文艺复兴时期艺术家所青睐的现实主义风格。
关于这幅画的含义至今仍存在争议。许多人认为它代表了维纳斯的领地，或者可能是为了纪念一场春季婚礼，也许与美第奇家族的某一位成员有关。
画中的维纳斯可能是西蒙内塔·韦斯普奇的肖像，她是当时著名的美女，也是波提切利的灵感缪斯，我们之前曾在一篇专门的文章中介绍过她。
9.佛罗伦萨，乌菲齐美术馆
桑德罗·波提切利，《维纳斯的诞生》，1486年
波提切利的《维纳斯的诞生》（Birth of Venus ）是西方艺术中最广为人知的图像之一，它是对美与爱的诗意描绘。它最初是为挂在一座别墅中而创作的，可能是挂在婚床之上。
爱神维纳斯从海中诞生，完整地出现在画面中，站在一个巨大的贝壳上。风神泽费罗斯和奥拉将她吹向岸边，而一个女子正等待着用一件飘逸的斗篷为她披上。
她的姿态呼应了古希腊的雕塑，她那苍白、被风吹拂的优雅形象给人一种梦幻而精致的感觉。
模特很可能也是上文提到的那位美女——西蒙内塔·韦斯普奇，波提切利柔和的线条和明亮的色彩营造出一种纯真的感觉，而非肉欲之感。
它革命性的地方在于：一幅大型的裸体画，描绘的却不是宗教题材，而是神话主题。在经历了几个世纪以教会为主导的艺术之后，它标志着对异教主题的大胆回归。
10.米兰，圣玛利亚感恩教堂
列奥纳多·达·芬奇，《最后的晚餐》，1495-1498年
列奥纳多·达·芬奇（Leonardo da Vinci）的《最后的晚餐》（The Last Supper）是世界上最著名、最神秘的文艺复兴时期画作之一。它被安置在圣玛利亚感恩教堂的食堂里，横跨整面墙壁。
这幅巨大的壁画捕捉到了耶稣告诉他的使徒们其中一人将背叛他之后的紧张时刻。每个人物的反应都各不相同，使得整个场景充满了情感、怀疑和难以置信。
作为一个喜欢各种实验的“文艺复兴人”，达·芬奇使用了一种实验性的技法、而不是传统的壁画技法来创作这幅画。结果是，画完不久它就开始损坏。
几个世纪以来，环境破坏和糟糕的修复工作使情况变得更糟。如今留存下来的是原始画作的一个近乎保存下来的版本，只有达·芬奇原作的一些片段仍然可见。
也因此，想看这幅画并非易事。门票数量有限，很快就会售罄，而且必须提前预订。每次只允许一小群人进入，时间为15分钟，并且要经过除湿室以去除污染物。（待续）
来源：聊一聊艺术吧6
