旧衣服和陶瓷片，他们把“破烂”变成了奢侈品

摘要：今年九月的巴黎，在LVMH新人奖的颁奖现场，Karl Lagerfeld大奖得主Duran Lantink的发言令人印象深刻：“有太多库存服装被闲置，我真的希望学生和新一代设计师能把upcycling作为创作的标准。”

今年九月的巴黎，在LVMH新人奖的颁奖现场，Karl Lagerfeld大奖得主Duran Lantink的发言令人印象深刻：“有太多库存服装被闲置，我真的希望学生和新一代设计师能把upcycling作为创作的标准。”

这位来自荷兰的设计师在此收获了20万欧元的奖金和为期一年的导师计划。更重要的是，获得了向更广大群体传递其可持续理念的舞台。“作为一个独立品牌，这笔奖金将帮助我迈向下一步，”Lantink说，“而LVMH的人脉网络则能帮助我真正成长。”

在当代时装语境中，“可持续”已然成为一个近乎政治正确的命题。然而，Lantink的实践超越了简单的环保主张，他创造了一种前所未有的服装生命循环体系。在这个体系中，每件作品都被赋予独特的身份档案，记录其在不同买家手中的演变历程。

“我的方法一直围绕着让服装保持流通和防止浪费，”他解释道，“这种方式随时间发展成为一种结构化的方法论，我不断为带回作品的人们创造新的可能。”

Duran Lantink的“阴道裤”(Vagina Pants) 因被著名歌手Janelle Monáe在其2018年的MV《PYNK》中穿着而广为人知。这条裤子以其独特的设计和大胆的色彩，成为对女性特征的大胆赞美，迅速引发了广泛讨论和关注。

Remake已是趋之若鹜的风潮，但真正将其为品牌灵魂，并以完整档案记录每件作品“前世今生”的设计师，凤毛麟角。在这里，消费者也被纳入了服装的生产制造环节，每一件作品都拥有了不断演变的生命力。

通过“Dumb Contract”这一所有权证书，消费者被授予了代表、修改和转售服装的权利。每一件Duran Lantink单品都拥有专属页面，记录它在不同持有者手中的变化历程。“品牌们不应该仅是强推系列，不顾一切地生产几千件相同的T恤。真的太多了，这个世界已经被商品塞满了。”

与Billie Eilish的合作源于她造型师的牵线搭桥，Lantink收集了许多她此前穿过的衣服，解构、重组、赋予全新面貌。谈及明星效应的影响，Lantink向《InStyle优家画报》坦言："我很感激像Billie Eilish和Beyoncé这样的艺术家选择穿着我的作品。借助她们的影响力，我关于可持续发展和升级再造的理念得以传递给更广泛的受众，在全球范围内引发人们对时尚责任的讨论思考。"

这位新人设计师的创作过程堪称对传统时装生产模式的颠覆。他从古着店、慈善商店搜集材料，与零售商合作回收滞销商品，甚至向阿姆斯特丹的居民征集旧衣。在他手中，Balenciaga、Acne Studios、Dries Van Noten等奢侈品服装获得新生，通过重组与改造，呈现出令人惊叹的创新形态。

直觉在Lantink的创作中起着巨大作用，他并不会遵循严格的计划，而是根据眼前的材料去自然创作。

在Lantink个人首秀2021秋冬系列中，他破天荒地采用了小型无人机群伴飞来360度无死角直播时装秀，犹如电影《2049银翼杀手》中科学家华莱士在身体上配备的数只飞行全息之“眼”。在其最新的2025春夏系列时装秀中，他又在模特裙装上安置了可观看现场直播的屏幕。

这种自由流动的创作方式在Duran Lantink 2025春夏系列中得到了充分展现。受伊比萨岛的童年回忆启发，这个系列通过轻盈的长袍式连衣裙与自行车短裤的搭配，以及带有上世纪20年代泳装韵味的红白条纹设计，捕捉了那座自由之岛的精神气质。

特别值得关注的是，Lantink将普通T恤改造成一系列精致服装，从轰动性的偏襟礼服到飘逸的风衣，每一件都包裹着设计师对材料的深刻理解和精湛工艺。

Duran Lantink 2025春夏系列

压轴单品是由旧背心和牛仔裤重构而成的斜裁礼服，由Naomi Campbell演绎，完美诠释了设计师将简单元素提升为高级时装的非凡能力。突破性的思维也体现在他与10 CorsoComo创始人Carla Sozzani私人珠宝档案的合作中，珠宝的球状造型为柔软的服装轮廓增添了独特质感。

Duran Lantink 2025春夏系列除了创作方式体现了一如既往的流动性、颠覆性之外，Lantink还在秀场中途带来一个惊喜：一件迷你裙装内置屏幕，实时直播着秀场画面。压轴单品是由旧背心和牛仔裤重构而成的斜裁礼服，由Naomi Campbell演绎，诠释了设计师将简单元素提升为高级时装的能力。

“我不关心什么是当下流行的，”当被问及对潮流的态度时，Lantink这样回答。这种态度使他的作品既反映时代又超越时代，在可持续与创新之间找到了新的平衡支点。如他所说：“我想创造自己的语言和潮流。”而这正是他的设计得以闪耀的根本原因。

A：我的设计理念始终围绕着一个核心：让服装保持流通，避免浪费。最初，我开始尝试将废弃材料重组，赋予现有面料新的用途。这感觉是一种自然而然的方式，来应对和挑战时尚产业中的浪费现象。随着时间推移，这种做法逐渐发展成一种更系统的方法论：为每位带回作品的顾客创造新的可能性。我将之理解为关于保持创意循环的一种活力，确保每件服装都能获得新生。

A：我不能接受时尚产业对“新”的盲目追求，却忽视了服装本身的生命力。看到未售出的服装被浪费，甚至为了维持品牌排他性而被销毁，我其实很愤怒。这些经历促使我开始思考：如何让设计持续进化，让服装永远不会“过时”或“被抛弃”。与其说是为了可持续，不如说是为了珍视已经存在的价值。

Duran Lantink 2025春夏系列设计灵感源自上世纪80年代伊比萨岛早期的锐舞文化，在保持品牌标志性夸张廓形的同时，着重强调了服装的实穿性，探索着穿衣的趣味性。虽然雕塑感依旧是重要元素，但更加克制地突出特定的身体部位：胸衣被夸张地塑造成锥形轮廓，臀部和关节的轮廓则以更微妙的方式呈现体积感。

A：当代设计师的角色正在从单纯的服装创作者，转变为能与文化产生共鸣体验和故事的叙述者、艺术家。我发现设计师和造型师的界限确实在模糊，因为两者都在关注服装在社会中的更广泛叙事。这种转变带来了更多创作自由，也让可持续性和创新有了更大的发展空间。

时装设计师梁砾文，在对外的自我介绍中，常常把“陶瓷工人”的身份放在“时装设计师”之前，因为他的时尚之路始于景德镇。这座千年瓷都，将精致的陶瓷工艺融入毛细血管。在梁砾文的童年记忆中，连郊游都是到瓷厂玩泥巴。

“给皇帝烧瓷器时，只从中选最好的作品进贡，其他成品则会被摔碎，埋在地下。我家就在御窑附近，在那里开发成景点之前，有段时间我的邻居半夜在家里挖地，都可以挖得到康熙年间的陶瓷碎片。像我小时候在瓷厂长大，生活里到处都是碎片。为了保证质量，品相不够好的瓷器都被摔碎。废掉的陶瓷瓷片太多，就用碎的陶瓷片铺路、砌墙。”在他看来，景德镇是一座字面意思上的碎片城市，一个将废弃的陶瓷转化为生活魅力的地方。破碎一地的陶瓷和泥泞的工作环境启发了他的不完美美学和可持续时尚的创作灵感。

这张工作照片记录了梁砾文在工作室里专注创作的瞬间，体现了一位年轻设计师在追求工艺创新时的执着。

家里三代人从事陶瓷工作，从小与泥土的自然亲近，让他对陶瓷有了一种与生俱来的独特理解。在英国攻读女装设计时，他逐渐意识到在当下的时装场景中陶瓷美学的缺失。于是，他将成长背景中的陶瓷文化作为时尚解构设计风格的核心。在梁砾文的设计中，陶瓷不再是器皿，也不仅是装饰，而成为了时装本身。

不同于其他设计师使用碎片拼接的方式，来自中国景德镇的设计师梁砾文更希望创造出具有面料连续性的效果，而不是用金属链条串联的形式。在尝试了各种创作形态之后，他开始从陶瓷本身的属性出发，努力让作品更贴近陶瓷的本质。这不是简单地用服装工艺去加工面料，而是用陶瓷制作的思维去进行时尚创作。

从贝母和闪片材质上获取灵感，他进行了长达三年的实验，将陶瓷烧制成0.3毫米的薄片，与面料结合，创造出了既有陶瓷质感又具备灵活性的新型“陶瓷面料”，如纸一样轻薄。从解决陶瓷与面料结合时的附着问题，再到实现色彩准确的多样化图案设计，梁砾文遇到了千变万化的挑战。不断烧制的实验中，“将性格都磨平了”。

最终，以6厘米×6厘米的标准化方格陶瓷面料，他实现了将传统陶瓷技术与当代时尚设计的融合。既包含了他对景德镇“碎片景观”的当代解读，也是他在伦敦时装学院学习女装设计中对街头时尚风格探索的结果。

通过长期探索，梁砾文成功将陶瓷烧制成仅0.3毫米厚的薄片，并解决了陶瓷与布料的结合问题。为确保作品的规范性和可重复性，他将这种创新面料以6厘米×6厘米的方格形式进行标准化生产。

发布了以“陶瓷工人”为主题的设计系列后，接下来他计划把传统陶瓷器物与人体线条融合，把凹凸感觉的雕塑结合服装的立裁，创造出具有雕塑感、完整陶瓷故事的时装作品，将景德镇的陶瓷工匠美学带入广阔的国际舞台，让世界看到陶瓷的热力与性感。

A：在最初构思时，我也考虑过像其他设计师那样使用碎片拼接的方式。但我更希望创造出具有面料连续性的效果，而不是用金属链条串联的形式。我的创作思路是从陶瓷本身的属性出发——如果加入金属串联元素，反而会削弱陶瓷的本质特性。我一直在努力让作品更贴近陶瓷的本质，无论是传统还是当代的表现形式。这不是简单地用服装工艺去加工面料，而是用陶瓷的思维去进行时尚创作。我选择从陶瓷工艺的角度出发，而不是用现成的时尚工艺去创作。这是一个完全不同的基础思维方式。

A：陶瓷与我的美学理念是相互交织的。即使是与运动品牌合作的鱼骨系列，也带有陶瓷雕塑和当代装饰的韵味。我的创作并不受限于传统服装设计的框架，而是更倾向于雕塑艺术的表达。最近我看到一则广告，一位体形丰满的黑人女模特的背影酷似陶瓷胚体，让我产生强烈共鸣。下个系列中，我计划将针织面料裁成泥条状，呈现盘筑效果，并寻找具有雕塑感的模特。在我看来，每个人的身体都蕴含着独特的美，关键在于自信地展现。

梁砾文的创作并不受限于传统服装设计的框架，而是更倾向于雕塑艺术的表达，以服装为载体，呈现对于身体姿态的探讨。

A：我认为叙事性对品牌的长远发展至关重要，它是品牌的根基。我的创作已经完成了以“陶瓷工人”为主题的系列，未来将探索泥胚和器形主题，让大家了解我的创作脉络。后续系列我计划将陶瓷元素与人性情感相结合，探讨脆弱等情感主题。我上过的最令我醍醐灌顶的一节课，就是老师让我们研究Simone Rocha的品牌特征，从此我意识到打造标志性单品的重要性，现在专注于陶瓷裙的开发。在设计元素上，我建立了裂纹陶瓷、破碎牛仔、支钉等独特语言，这些元素的组合将成为我个人风格的标识。