学术主持｜胡莺：可见的“时空之痕”

摘要：“时空之痕”是汤湖美术馆延续十年的品牌“三个展”之一，分别是于轶文的“上下”、吴涛的“椅说”、柯明的“松”，呈现三位艺术家的油画、装置、雕塑等作品。于轶文根植于农村，同时穿行于城市，十余年来在“黑”画与光的上下求索中关注农村题材；吴涛从中国传统文化中吸取养分，

时空之痕——于轶文吴涛柯明三个展

展览时间 | 2025年5月14日-2025年6月9日

展览地点 | 汤湖美术馆1/2号厅

策展人 | 王心耀

学术主持 | 胡莺

展览执行 | 杨巍

主办单位 | 汤湖美术馆

承办单位 | 汤湖美术馆

协办单位 | 湖北美术学院绘画学院

武汉工程大学艺术设计学院

开幕时间 | 2025年5月23日 PM16:00（周五）

参展艺术家

于轶文

湖北美术学院绘画学院油画系主任

吴涛

武汉工程大学艺术设计学院基础部主任

柯明

职业艺术家石门峰纪念公园、芷美空间艺术顾问

胡莺

展览学术主持

湖北美术馆副馆长

批评家

可见的“时空之痕”

胡莺湖北美术馆副馆长展览学术主持

“时空之痕”是汤湖美术馆延续十年的品牌“三个展”之一，分别是于轶文的“上下”、吴涛的“椅说”、柯明的“松”，呈现三位艺术家的油画、装置、雕塑等作品。于轶文根植于农村，同时穿行于城市，十余年来在“黑”画与光的上下求索中关注农村题材；吴涛从中国传统文化中吸取养分，用“椅子”提炼生成的符号体系述说人与社会的关系，以真实的生活体验表达独特的社会景观；柯明从童年所见“松”的图像和个人情感出发，围绕物象中的“松树”和语义中的“松”展开追忆和探讨。时间与空间是本次展览叙事的基础。三位艺术家有各自的知识结构和图像样式，但均绕不开历史、传统、时代、地域的语境，以及“过去与现在”。时间在他们的作品中不是孤立的线性流动，而是相互交织影响的多元脉络；空间则成为连接这些时间脉络的桥梁，特定的地域空间、艺术作品中的虚拟空间、美术馆的展览空间，以及观者在欣赏作品时所产生的精神空间，将共同构成一个丰富而立体的“时空连续体”。

于轶文：透过“黑”画的那些光

在阅读于轶文作品的同时，最好能结合阅读他写的文字，如此能更好走进他“黑黑”的画面。因为他的每一帧画面都是朴实而真诚的叙述，都是真实且鲜活的故事。于轶文一直以农村生活作为创作素材，尤其是湘西农村，那里的人物、生活以及各类物件成为其创作的主要源泉之一。留守老人、妇女、儿童等农村问题亦是他所关注并希望以创作来呈现的。在《龙升平随笔》中，于轶文经常提到“黑得有点发绿的黑”，黑如地窖的屋子、烟熏黑的黄土墙、浓黑的蚊帐、黢黑的脸色、黑乎乎的碗、黑黝黝的锅、漆黑的夜……当然，也有农村特有的自然的色彩和光影的描述。早期作品《窗》《比烟花黯淡‧给龙升平造像记》《床》如同这些文字的注解。布满岁月斑驳痕迹的生活物件和场景，异常凝重与沧桑，但它们都是具有生命记忆的载体。如于轶文写到的灶台：“因为有了这独具特点的灶台就有了湘西的黑，有了湘西的特点，一个用了几十年的灶台他就不再是灶台，他是个生命，融入了主人家欢乐与汗水的生命体。”当画面与文字缠绕交织，不知是文字本身就具备了画面感，还是画面再现了这些文字。

于轶文 | 比烟花黯淡 · 给龙升平造像记

布面油画 130cm × 130cm 2015年

在于轶文的作品中，很多时候黑黑的主色调奠定了画面的沉稳基调，却又处处透露着光的存在，就像在贫瘠的生活、物质和精神的匮乏中，人们对生活的向往、对生命的执着和顽强的生命力。这类黑黑的极具辨识度的画，有从巴洛克风格中的暗色调主义到抽象表现主义的影子，以色块贯穿画面，以暗影衬亮光，使画面形成抽象式的平面色块。但他的“黑”，也有似中国画“运墨而五色具”“高低晕淡，品物浅深”之“墨”。《父辈》《晚归》中，高度凝练了形象的轮廓，去除了繁杂的细节，强化形象的视觉张力。承载着生活重量与劳作艰辛的人物用层次丰富的墨黑色来呈现，并分别以亮灰色调的黄昏和晚霞相映衬，如剪影般的主体形象，坚实而厚重，孤独而又坚毅。

于轶文 | 父辈

布面油画 360cm × 400cm 2019-2021年

于轶文将本次个展主题定为“上下”，一为早年现场写生的创作方式，从乡村到城市，再从城市到乡村的经历，似一场当代的“上山下乡”的往返穿梭；也有“路漫漫其修远兮，吾将上下而求索”的期许。在2025年的新作中，出现了较为明显的变化。如大山般的形象不再占据画面的绝对主体，开始注重营造空间氛围；同时色彩的加入，有了更多“光”的存在。《烟花映红大地》和《野外》，目光所及，或是烟花绽放下的热闹场景，或是野外宁静而神秘的自然之境。这种经营位置，为作品赋予了更深远的叙事空间。在《烟花映红大地》里，烟花绽放的光芒映照大地，红色不仅是视觉上的冲击，更象征着农村生活中那股蓬勃向上的力量，可能是节日的欢乐氛围，也可能是人们对美好生活的向往。在《野外》中，红色调以更为含蓄的方式融入画面，打破了暗沉的单调，增添了一抹灵动，赋予这片土地以独特的温度。《眺望》中渐变的蓝色天空占据了相当的背景空间，从浅蓝到深蓝的过渡，似时间的流动和变化。画面中一人一狗的眺望构成了视觉焦点：人静静地伫立，透露着与土地紧密相连的沉稳；狗乖巧地依偎在旁，与主人保持着高度的默契。一人一狗望向远方的姿态，仿佛在凝视着生活的憧憬，又像是在思索着农村这片土地上的过往与未来。另外两只小狗与前方的一人一狗相互呼应，进一步丰富了画面层次。他们之间的互动无需言语，便传递出深厚的情感纽带，这是长期相伴所形成的默契，是人与动物、与自然和谐共生关系在微观层面的生动写照。

于轶文 | 眺望

布面油画 230cm × 200cm 2025年

于轶文近作的“经营位置”与“随类赋彩”，为他笔下的农村生活注入了更浓郁的泥土气息和情感血液，让快乐更加浓烈，让痛感更具感染力。在他的画面中，“农村”不再是一个程式化的概念，而是充满了人间烟火气、承载着普通人生活悲欢的情感容器。透过“黑”画的那些光，让我想到皮埃尔·苏拉日黑色与光亮同在的绘画，“通过揭示光明，重新定义了黑色”。

吴涛：椅子的言说

吴涛的作品以中国传统家具中的“椅子”为基本元素展开叙事。椅子在中国传统文化中承载着多元的象征意义，不仅是实用的坐具，更体现了社会秩序、身份地位、礼仪规范、生活美学等多个方面。在历史的演进过程中，“椅子”已深深融入了人类的文化之中。吴涛从明式官帽椅中提取核心符号，将其进行不同的排列组装，通过“椅子符号”的生成、意义、交流，建构出一套自身的符号学与叙事体系。

《椅书》系列在吴涛的创作中占据着独特的位置。《椅书1》《椅书2》用椅子符号书写形成了一座图形迷宫。当叙事表达的语言和文字被椅子符号替换或删改后，一种全新的结合体——椅子文化诞生了。“椅子”在这里不是一种简单的图形呈现，而是作者与世界沟通的关键钥匙。“迷宫”似乎包罗万象，在这里能找到相对应的个体情感、生活经验、各种关系、文化记忆等，但它又是错综复杂、难以捉摸的，像充满欲望的迷楼，也像瞬息万变的世界。《椅书‧青花瓷》由三联画构成，两边穿插在椅子符号中的的青花瓷碎片，分别对应的是中间的“福禄寿喜”四字的含义。这种组合打破了传统文字与图形之间的界限，使观者陷入一种对视觉秩序与语义逻辑的思考之中，也让我们看到了“人”与椅子所造就的文化之间不断和解的过程。这种和解并非简单的接受与融合，而是在不断探索和创新中，重新审视文化传承与发展的关系。

吴涛 | 椅书 · 青花瓷

布面丙烯 100cm × 240cm 2025年

《面孔》系列将形态各异的“椅子”代表了人的不同面孔，每一把椅子都仿佛是一个独立的个体，有着自己的故事和情感，被赋予了生命的象征。当众多“椅子”汇聚在一起，形成了“一张网”的意象。这个“网”象征着复杂的社会关系。在现实生活中，每个人都如同这一把把椅子，看似独立，却又相互交织与影响。

吴涛 | 面孔 NO.1

布面丙烯 180cm × 150cm 2023年

《故事一则-碎片诗》则以对经典诗句的解构为切入点，表达对信息时代人与社会关系的思考。信息爆炸与数据化已成为时代的鲜明特征，我们身处其中，无法逃脱被裹挟的命运。“无限风光在险峰”这一诗句被彻底碎片化，每一个笔画碎片都不再是汉字的组成部分，而成为独立的符号，它们以随机又似乎暗藏秩序的方式分布。在数据化时代，各种信息被转化为数字、代码等符号形式进行存储、传播和处理。诗句碎片就如同数据符号，等待着观者去解读和重新组合。在碎片的笔画里，作者同时嵌入数字代码作为暗语，代表着另一套隐秘而严谨的逻辑体系。这种内外逻辑的差异，恰似中国式交流的智慧与含蓄，也促使我们反思信息时代下冰冷而乏味的交流方式。

吴涛 | 故事一则 · 碎片诗 NO.1

布面丙烯 150cm × 300cm 2023年

吴涛以椅子符号书写着社会生活，在符号重构中探寻文化的变奏，构建出一个充满探索意味的艺术和社会空间。

柯明：松与“松”

柯明的作品以“松”为核心展开，表达比较多元和庞杂，涵盖了油画、装置、雕塑等。“松”在此包含有两种意义：一种是在松树这一物象中寄托的个人情感，一种是语义上的松驰、宽松、和谐。

在中国传统文化中，松树是坚韧、长寿、智慧、友谊的象征。在历代山水画中，经常可见对松树的描绘，其形象承载了丰富的人文寓意，象征意义也深入道教文化，它既是隐逸、长生的精神寄托，又是对自然和谐、返璞归真的向往。五代荆浩《笔法记》曾以《古松赞》写松树的君子之德风。宋以来的山水画流变过程中，不同时代和画家对松树的描绘和赋予松树的寓意也发生着微妙的变化。它同时也代表了一种超越时空的文化情感。

柯明关于“松”的创作，源于童年黄石阳新祖宅外墙上“松鹤延年”的装饰图画，以及母亲的一件嫁妆——绘有松树和花卉的衣柜。作品由回忆和旧物而起，引申出关于“松”的多种探讨。展览开篇是作者以油画复制的祖宅外墙上“松鹤延年”的装饰画，展览作品中浓艳的色彩也与这件民间图画一脉相承。现成品电动装置《妈妈的嫁妆》是以绘有松树和花卉图案的旧衣柜为创作母体，将父母那一代、“我”以及未来的生活环境与元素，构建起一座跨越时空的桥梁。旧衣柜作为核心现成品，承载着历史记忆与家庭情感。妈妈的嫁妆往往是一个家庭重要的情感纽带，作品通过修复与再创作，唤起人们对家庭温暖、亲情传承的深刻记忆，也是对家庭价值的一种致敬与重塑。而当代生活图像的引入打破了旧有秩序，赋予了这件老物件新的生命力，使其从单纯的家庭旧物转变为承载时代变迁的艺术载体，促使观者在岁月与现实的交织对话中去探寻时代的演进脉络和生活的变迁。

柯明 | 妈妈的嫁妆

电动装置现成品 210cm × 120cm × 60cm 2025年

《千里江山图》以北宋王希孟同名巨作为原型创作，柯明将个人生活经历与感悟置于宏大的叙事图景中。用花卉植物、人物、地标、山川河流等五组非逻辑的嫁接组合的图像，置换了原作中的山水形态，通过前景、近景、中景、远景、背景的布局，营造出貌似层次分明的空间。远观作品中各种形象和绚丽色调的交织，似乎是对“盛世中国全景图”的呈现：繁茂的花卉植物，以蓬勃的姿态诠释着自然的律动与活力；不同城市的地标，如历史与现代交织的密码，见证着城市的崛起与变迁，暗示着中国现代化进程的坚实步伐；壮阔的山川河流承载着对自然的敬畏与热爱；珍稀动物的点缀，提醒着人们对生态环境的珍视与呵护。当然，作者的意图不仅如此。或者传统重生与当代思辨的碰撞才是作者的目的。近看画面中充斥的某些不合逻辑的拼接以及夸张、变形等，打破了传统审美中对完美与秩序的固有认知。现实与想象、嫁接与希望、繁华与残缺、逻辑与非逻辑，时空的错乱与融合，相互缠绕、彼此渗透，虚实相生，恰似中国传统哲学在画布上的具象化。

柯明 | 千里江山图

布面油画 300cm × 1760cm 2025年

《古画松系列 NO.011 - 012》以北宋李成《寒林平野图》为创作背景，借鉴了原作的主要图式和松的形象。只是精微的笔墨被废弃纸币的拼贴代替，“气象萧疏，烟林清旷”的意境变成色彩浓丽的描绘，可以理解为是对传统经典艺术的致敬与回溯，或是为新的艺术表达寻求一种文化根基。废弃纸币是柯明惯用的一种创作材料，原本已完成作为货币流通使命的废弃纸币，却在艺术作品中获得了全新的生命。这种循环使用的“再生”过程与松树在严苛环境下顽强生长的特质和强大的生命力形成呼应。

此外还有机械装置《螺丝钉》，在与观众的互动中不断呈现“松-紧”的运动与静止状态。《松》系列作品中，人物、动物、物件都齐聚在以松树为主的画面里，荒诞、混乱，隐喻在“一松一紧”间的松动后的世界。这些作品中的“松”以艺术的方式提供了一种思考方向：在忙碌的生活中，我们需要时时找到内心的松弛与平衡。柯明对“松”的不同表现方式，形成了一个较为丰富的“松”的意象。从基于个人情感与自然物像的具象描绘，到基于抽象语义的观念表达，“松”在不同艺术形式中实现了从物质到精神、从物象到观念的转换，呈现由传统经典向当代艺术转化的实践过程。